LPOL-grundarna Katy & John chattar med Seraphina om hennes kärlek till material, färg och komposition
Introduktion
Seraphina är en framväxande Londonbaserad abstrakt konstnär.
Hon arbetar med collageverk på papper, screentryck och ytdesigner. Seraphina tog examen i fotografi från Falmouth University och har sedan dess arbetat som fotograf samtidigt som hon utvecklat sin konstpraktik. Hennes konstverk är en naturlig förlängning av det förhållande till ljus, färg, form och komposition som hon utvecklat genom sina år som fotograf.
Hennes abstrakta kompositioner är också influerade av en kärlek till färg och minimalism inom konst, design och arkitektur. För Seraphina är det negativa utrymmet lika betydelsefullt som färgblocken i hennes konstverk. Alla hennes verk börjar med att handklippa, arrangera och arrangera om papper och hittat material. Hon sparar pappersrester från alla tidigare projekt och använder ofta dessa som utgångspunkt för nytt arbete. Under de senaste åren har hon producerat arbeten för kunder inklusive Vogue International, COS och Evermade. Hennes arbete har visats i Vogue, Grazia och Stylist Magazine.
"Seraphina är ett nöje att arbeta med och jag är särskilt inspirerad av hennes användning av färg och form. Precis när du tror att det inte kan finnas en annan färgkombination kommer Seraphina att titta förbi med ett nytt tryck eller collage i den vackraste nya paletten ! Jag är alltid så exalterad över att se vad Seraphina producerar när hon samarbetar med andra artister eller varumärken, eftersom hennes kreativitet och öga för komposition alltid resulterar i något förtjusande." Claudia Hogg, Gallerichef på Print Club London.
Efter lanseringen av Seraphinas nya Zero-Waste Art Drop kollektionen i samarbete med LPOL ville vi ställa några frågor till henne om hennes inspiration, erfarenheter och arbetsmetoder som har lett och drivit henne att skapa verk av enkel, färgstark skönhet...
Frågor och svar
Innan du blev en abstrakt konstnär utbildade du och praktiserade du som fotograf. Kan du berätta lite om hur du kom igång, och de erfarenheter som hjälpte till att forma dig som artist?
Innan jag studerade fotografi ville jag först studera mode/textil. Vid den här tiden gjorde jag praktik hos Philip Treacy där jag hjälpte till i verkstaden att göra färdiga hattar till en Valentino Couture-show. Den här upplevelsen var riktigt spännande i ung ålder och hjälpte mig att inse att det var möjligt att göra en kreativ karriär. Jag var fascinerad av verkstaden, materialen och de enorma färdigheter som krävs för att skapa sådana ömtåliga bitar. När jag studerade fotografi hade jag turen att arbeta med både Nadav Kander och Rankin, vilket gav mig fantastiska insikter i den kommersiella och modebranschen. De här upplevelserna var otroliga men fick mig att inse att jag inte ville göra en karriär inom modefotografi, vilket för mig vid den tiden kändes som att det oundvikligen skulle vara sammanflätat med snabbt mode, reklam och överkonsumtion. Jag hade turen att få möjligheten att arbeta för ett galleri som fotograf och har sedan dess specialiserat mig på konstfotografi samtidigt som jag arbetat med min egen konstpraktik. Mitt fotoarbete har gett mig tillgång till konstverk, arkivföremål och skissböcker av otroligt kända konstnärer, vilket ger mig ingen ände på inspiration. Det har också gett mig möjlighet att fotografera spännande projekt som The Squash av Anthea Hamilton på Tate Britain, som inkluderade ett besök på ateljén i Paris där Jonathan Anderson på Loewe arbetade med kostymerna.
Det här var första gången du arbetade med läder. Hur hittade du processen? Vilka var utmaningarna?
Det har varit en underbar ny upplevelse att arbeta med läder! Jag arbetar främst med papper (vilket jag älskar) men läder har så mycket karaktär och är i sig ett väldigt sensuellt, taktilt material. Lukten, markeringarna, texturen fick mig att känna mig mer nedsänkt i materialet. Praktiskt taget var det lite svårare att klippa än papper, men efter lite träning upptäckte jag att jag kunde uppnå lika rena linjer! Jag skissar eller ritar inte ut former innan jag skär, eftersom jag upptäcker att att använda skalpellen eller bladet för att "rita" gör mina former mer flytande. Men detta betyder också att det inte finns någon återvändo när jag väl har gjort ett klipp! Detta gjorde mig lite nervös i början eftersom läderbitarna är så vackra och varje bit är helt unik så jag kände mig mer värdefull om dem än vad jag gör med papper.
Berätta lite om hur du gjorde konstverken? Var började du? Vad tycker du om att göra dem?
Så fort jag fick lådan med avfall blev jag så exalterad! Jag började med att tömma lådan på en stor bit duk på golvet och utforska de olika färgerna, strukturerna och kvaliteterna. Det var verkligen intressant att se spåren av hur de hade klippts redan för kollektionen de hade använts till! Jag insåg snart att det var viktigt för mig att behålla några av delarna som de var för att behålla en del av historien om var lädret kommer ifrån och hur det användes. Jag började arbeta med olika kompositioner med hjälp av de bitar som hoppade upp för mig mest - vare sig det var för färgen, eventuella intressanta brister eller formerna som redan fanns där. Med detta som utgångspunkt för de slutliga konstverken började jag skära ut fler av mina egna former från avskärningarna för att utforska vad som skulle fungera bäst kompositionsmässigt med de befintliga delarna. Jag har verkligen njutit av hela processen med att göra dessa verk, särskilt hur mycket lädret i sig har genomsyrat hela processen, vilket ger ett mer sensuellt lager till mitt arbete.
Vi har alltid dragits till de enkla abstrakta formerna och kompositionerna i ditt arbete. Hur och varför bestämmer du dig för vissa mönster?
Tack så mycket! Det handlar mycket om känsla. Jag lägger ner mycket tid på att arbeta och omarbeta kompositioner, gå mellan olika verk samtidigt och sedan återkomma till dem efter en tid tills den övergripande kompositionen känns rätt. Detta innebär ofta att jag tar bort element som känns onödiga snarare än att lägga till mer. Negativt utrymme är lika viktigt för mig som formerna jag lägger ner - jag tänker alltid på hur utrymmet runt formerna skulle fungera som en bild i sig. Jag hoppas att mitt arbete ska vara lugnande och att uppmuntra människor att tänka på utrymmet mellan sakerna.
Hur skapar du en viss stämning i ditt arbete?
En forms natur, färg och var den formen ligger i en komposition kan verkligen förändra hela stämningen i ett collage. Vissa former och färger kan kännas väldigt tunga, vissa kan vara skarpa, vissa upplyftande, andra kan kännas mjuka och välkomnande genom att dra blickarna mot andra element. Genom att nästan personifiera varje komponent försöker jag få ihop delar som firar eller lyfter varandra. Jag tror att min erfarenhet som fotograf gör att jag ofta tänker på dessa saker utan att ens inse det – när jag gör ett collage tänker jag hela tiden på förhållandet mellan rymd, färg, textur, linjer & vikt. Jag dras till minimalistiska, abstrakta verk framför mer genomarbetade konstverk då jag finner dem mer lugnande och att mer utrymme lämnas för betraktaren att hitta sin egen mening i verket.
Resten från vår verkstad kom främst från förra säsongens kollektion. Hur upplevde du att arbeta med en relativt begränsad färgpalett?
Jag tyckte att det var svårt till en början när jag fäste mig vid en färg eller en bit läder och insåg att jag bara hade en liten mängd av det att arbeta med. Men jag njöt faktiskt av hur mycket det pressade mig att arbeta med färger som jag kanske inte skulle ha valt om jag hade haft oändliga möjligheter. Det innebar också att jag naturligtvis började använda båda sidorna av läderavsnitten för att bredda färgpaletten, eftersom det förde in ett mycket mjukare och mer dämpat färgutbud i mixen. Jag älskade särskilt baksidan av det mörkgröna lädret
Du arbetar ofta med hittat material och återvunnet papper. Varför är detta så viktigt för dig och ditt arbete?
Detta började som en nödvändighet eftersom jag inte hade mycket pengar att spendera på material när jag först började göra konstverk på universitetet. Jag insåg snart att det ger mer djup, textur och sammanhang till mitt arbete, samt att det överensstämmer med mina värderingar när det gäller att försöka leva mer hållbart. Jag är mycket intresserad av materialhierarkin inom konstvärlden och hur historiskt sett vissa medier eller konstformer skulle ses som mer värda eller få ett högre pris än andra på grund av de använda materialen. Konstnärer som Eva Hesse, Richard Tuttle & Karla Black inspirerar mig verkligen med deras användning av vardagliga & hittade material.
Vad är nästa för dig?
Mer arbete med tyg & nya material! Jag har nyligen börjat handmåla på begagnade jeansplagg och jag hoppas också kunna släppa några screentryckta sidenscarfar och t-shirts i år. Under de senaste åren har jag sakta samlat på tygrester och jag hoppas kunna skapa några större konstverk med dessa.
Lämna en kommentar